Período Paleolítico
Análisis sensorial:
La primera idea que capté al observar esta pintura, es la de un bisonte que sufrió bastante tras su captura y el animal se encuentra amarrado las patas. En mi parecer, ésta pintura refleja el claro conocimiento que tenían los seres humanos sobre estos animales, porque el hombre sabía que el bisonte es un animal rudo y de difícil casería. Pienso que éste bisonte fue el líder de su manada, el de mayor tamaño y fuerza, que luchó siempre por permanecer en libertad; este comportamiento del animal provocó que el ser humano se interesara en su captura, posteriormente lo representaron en las paredes de la cueva como un animal sometido, donde se plasma la idea de fuerza, coraje, valentía y poder que llega a tener el ser humano sobre un animal dominado.
Análisis sociológico:
En el período paleolítico es donde se genera el arte. Reconocemos la existencia de un ser humano cuando encontramos utensilios que nos hablan de su vida material, testimonio de su esfuerzo por de dominar la naturaleza, con él comienza la historia del arte.
En ésta época los seres humanos eran nómadas, vivían de la caza y la recolección de frutos, los animales de caza principales eran bisontes, mamuts, servatos y rinocerontes, recogían pequeñas piedras y las golpeaban hasta lograr la forma deseada (hachas, raspadores, puntas de flecha). Para vivir aprovechaban las cuevas, recogían materiales de formas y colores atractivos, se presenta el arte portátil o mobiliar (comprende objetos transportables) y el arte rupestre o parietal (se refiere a las representaciones sobre las paredes de las cuevas).
Análisis simbólico:
En el arte rupestre, el argumento principal es la magia homeopática, que se basa en el principio de que lo semejante produce lo semejante.
La magia homeopática o imitativa consiste en que el hombre o la mujer alfa dibujaban en las paredes de las cuevas los animales que iban hacer cazados, tratando de hacerlos lo más realistas posibles, con el propósito de preservar el alma de los animales, los cuales consecutivamente eran cazados en la realidad. Los seres humanos de éste período trataban de representar principalmente sus escenas de caza, con la finalidad de que estos hechos se hagan realidad.
Es primordial recalcar que en el período paleolítico nunca se dibujó la figura humana porque las representaciones eran animalísticas y simbólicas por la magia homeopática.
Análisis iconográfico:
Desde mi punto de vista, pienso que sus motivaciones podrían estar básicamente relacionadas con aspectos como la vida misma, la supervivencia y la muerte. Así, estas impresiones artísticas se ligan a rituales propiciatorios para la caza o la fertilidad.
De hecho, se considera que ya había personas dedicadas especialmente a la magia, el arte paleolítico es inseparable de los inicios de los ritos religiosos.
Existe una enorme diversidad de teorías acerca de la finalidad de las pinturas de animales, algunas podrían ser decorativas, pero existen varias razones para pensar que tenían usos rituales. La teoría más extendida propone que el dibujo de animales formaba parte de un ritual mágico para propiciar la caza.
A pesar de que no se sabe a ciencia cierta que propósito perseguían, constituye un documento muy valioso de los primeros tiempos de la existencia humana, así como de las etapas iniciales del arte.
Por otro lado es importante recordar que en el arte mobiliar a través de las Venus, se produce la metáfora de la fertilidad.
Análisis ideológico:
Los seres humanos que realizaban el arte parietal, a través de sus pinturas trataban de ponerse en contacto con lo sobrenatural y lo trascendente, porque las personas del Paleolítico sentían temor frente a la naturaleza, pues desconocían el origen de sus fenómenos.
El deseo de dominarla los llevó no solo a desarrollar sus habilidades técnicas, sino también a articular la religión y el arte.
Análisis formal o estilístico:
Es una pintura sobre roca realizada en la Cueva de Altamira (España). Como instrumento utilizaban sus propios dedos o rudimentarios pinceles; a veces aplicaban la pintura con un tampón impregnado de color, método que se llama tamponado.
Los relieves de las rocas fueron aprovechados para representar las partes prominentes del cuerpo de los animales. Las pinturas se mezclaban en paletas de hueso o piedra y se aplicaban sobre la roca. Los colores que predominaban eran el ocre, rojo y negro.
Período Mesolítico
Análisis sensorial:
Al observar esta pintura, la idea que pude captar es la de un hombre que está haciendo una danza o un rito mágico, éste personaje tiene dos lanzas en sus manos por detrás de su espalda y constituye básicamente en una pintura esquemática con motivos geométricos.
Análisis sociológico:
El Mesolítico fue un período de transición entre el Paleolítico y el Neolítico, en esta época comenzó un desarrollo diversificado en cuanto a técnicas y organización en distintas partes del mundo. Estos cambios se produjeron tanto en el arte como en la religión. Se dedicaban a la caza, recolección de cereales silvestres y a la pesca. Los lazos familiares crecieron porque las estancias en un determinado lugar eran cada vez más prolongadas, por lo que este los encaminó hacia la sedentarización.
Análisis simbólico:
En esta las obras de éste período se trata de representar enterramientos, ligados a ritos funerarios, el arte se volvió conceptual y racionalista, basado en lo geométrico y en lo abstracto, a las obras rupestres se les atribuye un significado mágico-simbólico. El arte tiene ya principios de esquematización, se desarrollan una serie de mejoras técnicas.
Análisis ideológico:
La idea de las obras del Mesolítico, se basan fundamentalmente en representaciones más esquemáticas de actividades como la caza y la pesca, así como también trataron de plasmar sus tendencias religiosas a través de pinturas geométricas donde se pintaban sus danzas y ritos mágicos.
Período Neolítico
Análisis sensorial:
Por medio de ésta pintura la idea es muy clara, los hombres se encuentran en una caza de venados, la esquematización de la figura humana en casi todas las pinturas le da una característica al período.
Es una pintura rupestre que detalla al hombre como un cazador, que por los instrumentos que posee y gracias a sus estrategias de caza, le facilita el dominio sobre los animales.
Análisis sociológico:
El desarrollo iniciado en el Mesolítico adquirirá dimensiones gigantescas en el periodo siguiente de la Edad de la nueva piedra, el Neolítico trajo consigo la preparación de la tierra, la crianza de los animales y el sedentarismo definitivo.
Los cambios producidos en éste período significaron una modificación radical en la vida y en las costumbres humanas. Los asentamientos estables y las nuevas actividades productivas provocaron el nacimiento de las ciudades, donde se desarrollaron las primeras civilizaciones. Los excedentes de las actividades agrícolas dieron lugar al intercambio. Las creencias religiosas darían paso a una arquitectura caracterizada por su monumentalidad, que estuvo dedicada principalmente al culto a los muertos.
Análisis simbólico:
El estilo naturalista del Neolítico, abierta a las sensaciones y a la experiencia, se transforma en una intención artística geométricamente estilizada, estuvo dominado por el arte levantino, desarrollado al este de la Península Ibérica.
El arte neolítico tiende ahora a fijar la idea, el concepto, la sustancia de las cosas, es decir a crear símbolos en vez de imágenes. Con los grandes monumentos megalíticos se realizaban cultos religiosos y cultos al sol.
En esta época, se desarrolló un estilo de pintura rupestre basado en la pintura de escenas de caza en rocas al aire libre, con representaciones esquemáticas de figuras humanas.
Análisis ideológico:
Esta pintura la característica más saltante fue la presencia de figuras humanas como parte de la escena de la caza. Donde los humanos aparecen siempre victoriosos, si bien aún existía temor frente a la naturaleza, ya se concebía la fuerza humana como un factor capaz de intervenir para lograr una buena caza.
Análisis estilístico:
El arte parietal en el Neolítico estuvo dominado por el arte levantino, desarrollado al este de la Península Ibérica. Son imágenes de frecuentes hombres con vestidos, sombreros, tocados de plumas. Surgen de las pinturas negras, basadas en trazos naturalistas. Aparecen las pinturas esquemáticas a base de rojo, amarillo y negro (arte levantino).
Egipto
Análisis sensorial:
La primera impresión que tengo de esta pintura, es la de un juicio en el cual a la derecha se encuentra un ser con cabeza de chacal, quien se encarga de pesar en una balanza el bien y el mal que ha hecho una persona durante su vida, también se puede observar a las mujeres que están en la parte izquierda como miran atemorizadas este suceso y están esperando la decisión final del juicio. Al redero de todo este hecho se encuentran diferentes dioses con forma de animal.
Análisis sociológico:
La sociedad egipcia tuvo una estructura piramidal, en la que existían grupos con marcadas desigualdades, dirigida por un faraón con carácter divino, que era al mismo tiempo jefe político y militar, esta sociedad tuvo una de las economías más sólidas de la Antigüedad. La economía giraba en torno de la actividad agrícola, la ganadería, caza de aves y la pesca. Eran politeístas y creían en la supervivencia del alma después de la muerte, por lo que se le daba especial importancia a los ritos funerarios.
Análisis simbólico:
Los egipcios creían que luego de ser enterrado, el difunto era llevado por Anubis ante un tribunal presidido por Osiris. Thot tomaba nota del juicio, al que también asistía Maat. El difunto debía recitar fórmulas en las que enumeraba sus buenas obras y aseguraba estar libre de pecados. En un platillo de una balanza se pesaba su corazón y en el otro había una pluma. Que el corazón del muerto fuera más pesado que la pluma denunciaba una vida de maldad y El Devorador, un monstruo, se comía el corazón, con lo que se acaba la posibilidad de una vida eterna junto a los dioses.
Análisis iconográfico:
Los relieves y pinturas que aparecen en las tumbas revelan la riqueza de la iconografía egipcia, representan principalmente creencias religiosas en escenas de banquetes funerarios con ofrendas y cortejos fúnebres, o aspectos de la vida cotidiana, ya sean victorias, rituales de adoración, la cría y cultivo de especies animales y vegetales. Junto a las escenas se incluyen inscripciones jeroglíficas, que forman parte de la decoración y explican lo representado. La metáfora que se representa se basa en las leyes esclavistas.
Análisis ideológico:
En esta escena del juicio del difunto en el Libro de los muertos de un hombre llamado Ani, éste aparece a la izquierda con su mujer, mirando cómo su corazón es pesado contra una pluma, el ba de Ani (el ave con cabeza humana que representa su espíritu) también observa el proceso. Anubis, el dios con cabeza de chacal, era una figura clave en el juicio a los muertos; se encargaba de pesar el corazón del difunto, considerado sede del carácter y el intelecto. Si era hallado culpable, ese extraño animal, parte trasera de jabalí, torso de leopardo, patas de jirafa, melena de león y fauces de cocodrilo se come el corazón.
Análisis estilístico:
En todas las leyes esclavistas se dan las Leyes de la Plática Esclavista
- La ley de la frontalidad: en la figura humana el torso va a estar de frente, las extremidades y la cabeza de lado y los ojos frontales
- Ley del hieratismo: la figura humana carece de movimiento
- Ley del convencionalismo cromático: uso de colores planos no existe degradé
- Ley de la jerarquización: el elemento de mayor importancia es el más grande
- Ley de la esquematización: el dibujo es esquemático y mantiene proporciones geométricas.
Análisis biográfico:
Obra: Pesaje del corazón contra la pluma de Maat
Material: papiro pintado
Tamaño: 45X31 cm, British Museum (Londres)
Mesopotamia
Análisis sensorial:
Al observar esta obra me viene la idea de varias etapas y de qué manera transcurrió la vida de la civilización de Mesopotamia, a través de este gráfico se destacan las diferentes clases sociales, se puede ver la fuerza de dominación que tenían sobre los enemigos vencidos, como era su forma de trasportarse (inventaron la rueda), los animales que para ellos representaban poder.
Análisis sociológico:
Mesopotamia era un territorio amplio y fértil que ofrecía las condiciones necesarias para la subsistencia de grandes grupos humanos, su dominio fue codiciado por muchos pueblos. La familia monogámica era la base de una sociedad, toda la población fuera libre o esclava trabajaba para el palacio o el templo, eran politeístas, creyeron en la supervivencia del alma más allá de la muerte, pero los alcances de su religión eran terrenos y estaban estrechamente relacionados con la política.
Análisis simbólico:
A diferencia de la continuidad existente en la civilización egipcia sobre Mesopotamia se desarrollaron varias culturas, cada una con una evolución y unas características independientes.
Con respecto al arte existen algunos rasgos comunes, en relación con los dos grandes poderes que articulaban la sociedad, de un lado, los dioses y de otro los reyes, en ese sentido, su arte gira en torno a los templos y los palacios. El desarrollo de la obra está ligado a la conmemoración política, relacionada con el recuerdo de un hecho histórico.
Análisis iconográfico:
Al igual que todas las culturas esclavistas, la metáfora de ésta civilización es el poder, la fuerza, la dominación sobre otros pueblos.
En Mesopotamia los leones representan la fuerza, es por eso que en ésta obra hay animales que tienen el cuerpo de león y cabeza de caballo.
Análisis ideológico:
Esta obra muestra una sucesión de escenas bélicas y debe verse de abajo hacia arriba y de derecha a izquierda, es una fuente de información importante cobre la vida de ésta civilización, en esta obra se representa básicamente la guerra y la paz, porque en la parte izquierda de la caja aparentemente existe una victoria militar y en la parte derecha, un desfile de animales y tributos como para un banquete
Análisis estilístico:
Todos los personajes están representados parcialmente de perfil (rostro y piernas) y parcialmente de frente (hombros y ojos), en tanto que los animales están colocados casi completamente de perfil (a excepción de los cuernos en los bovinos). Su lugar en la sociedad se evidencia mediante el tamaño, la ropa y la posición (todo más cuanto más poderosos).
Análisis biográfico:
Obra: El Estandarte de Ur. 2600-2400 a.C.,
Materiales: nácar, lapislázuli y caliza roja.
Tamaño: 26 cm de altura.
Grecia
Análisis sensorial:
Esta obra es una clara representación de un atleta olímpico, que está a punto de lanzar la jabalina, se puede observar la preocupación que tiene por tener las proporciones perfectas, al ser seres hedonistas se preocupan mucho por la bella corporal.
Análisis sociológico:
La civilización griega fue producto de una fusión de elementos culturales de los pueblos asentados en las orillas del Mar Egeo. De ellos, los griegos heredaron conocimientos sobre navegación, metalurgia y cerámica, que posteriormente perfeccionaron, el gobierno era dirigido por ciudadanos (hijos legítimos y varones de padres ciudadanos). Los griegos eran politeístas, modelaron a sus dioses a su imagen y semejanza de los seres humanos y los anclaron a un pasado remoto rico en aventuras, encuentros y peripecias. El conjunto de relatos que se refiere a ellos se conoce como mitología griega.
Análisis simbólico:
Cada año en Grecia, se celebraba al menos uno de los concursos panhelénicos y en ocasiones coincidían. Los cuatro de mayor importancia eran los juegos ístmicos, juegos píticos, juegos nemeos, juegos olímpicos.
Análisis iconográfico:
Los griegos tienes como metáfora la belleza, fue una civilización que se preocupó bastante por la belleza corporal, se interesaron en alcanzar la proporción del ideal griego, fueron hedonistas, preferían el reconocimiento público.
Análisis ideológico:
En esta obra, se representa el lanzamiento de la jabalina y martillo. Olimpia era el espacio sagrado con templos y edificios públicos, donde se realizaban los juegos olímpicos, dos meses antes acudían los participantes para conocer las reglas y entrenarse, lo que hacían totalmente desnudos, tal como luego competían.
Análisis estilístico:
Pertenece al período Helénico, porque la figura humana es de color blanco.
Roma
Análisis sensorial:
La idea es muy clara, el ser humano es capaz de enfrentarse a las bestias sin temor a nada, ya que muchas veces el hombre quiere demostrar toda su fuerza y que mejor ejemplo que el enfrentamiento de una guerrero con una leona, donde es notorio que el guerrero jamás dará un paso para atrás, pues siempre tratará de r hacia delante a pesar de todos los obstáculos que se le presenten.
Análisis sociológico:
en la Península Itálica se dieron encuentro tres fuerzas civilizadoras la de los etruscos, la de los griegos y la de los latinos. El eje en el que confluyeron fue Roma, la ciudad de las siete colinas, que dio su nombre al que sería luego un gran imperio. La familia fue siempre la base de la sociedad romana.
Análisis simbólico:
Los interiores domésticos romanos estaban profundamente decorados, los suelos se cubrían de mosaicos, realizados con teselas, formando composiciones geométricas o escenas. La pintura que tienen es pagana, es decir que se realizaban representaciones de bailes, vino, diversión, etc. Tenía como finalidad decorar las casas y sobre todo los palacios.
Análisis iconográfico:
Los romanos en la mayor parte de sus pinturas paganas lo que expresan son libertad y diversión, en la civilización romana, la pintura y el mosaico cumplieron simplemente funciones decorativas.
Análisis ideológico:
Ésta obra pertenece a un estilo ilusionista o escenográfico, Se trata de la pintura que se manifiesta desde la época de Nerón, en la primera mitad del siglo I, hasta el final de este siglo. El estilo es más confuso, En él aparecen también escenas mitológicas, históricas, tiene un gran recargamiento decorativo, aparecen cortinajes y telones y cobra mucho desarrollo el paisaje.
Análisis biográfico:
Pintura romana en el Museo Romano de Mérida, Badajoz.
Imperio Paleocristiano
Análisis sensorial:
La idea de esta obra es muy notoria, se observa a Cristo a las afueras de una tumba, donde el hombre que habría muerto, se ve como se incorpora y sale de su sarcófago, transmitiéndonos la idea de la resurrección, seguramente porque éste hombre aún no está listo para dejar la vida terrenal
Análisis sociológico:
El paleocristiano se desarrolló por los primeros cristianos, cuando la influencia y la organización de la Iglesia crecieron rápidamente en Occidente. En un principio, el cristianismo era una religión clandestina, eran perseguidos por lo que los fieles fueron obligados a reunirse en secreto, y las obras de arte debían ser portátiles o mantenerse ocultas en las catacumbas.
La situación mejoró, cuando el emperador Constantino garantizó a los cristianos la libertad de culto, pero los artistas cristianos tardarían algún tiempo en desarrollar su propio lenguaje religioso.
Análisis simbólico:
El paleocristiano fue una época donde se desarrolla una ideología gracias a la aparición de Cristo. En éste período se desarrolló el arte corográfico, su arte estaba vinculada a las funciones rituales que conlleva la práctica religiosa, las obras más ambiciosas generalmente se inspiraban en modelos clásicos.
Análisis iconográfico:
En ésta época de persecución, las imágenes son muy elementales, en ocasiones poco más que símbolos como fueron, el pez que simboliza la palabra del Señor, la paloma que representa la paz, el alfa y omega que expresan el principio y fin de las cosas, la cruz simboliza la muerte de Cristo. Los cristianos se preocuparon por encontrar temas que ilustrasen la intervención divina: temas del Antiguo Testamento como Noé en el arca y temas del Nuevo Testamento como la resurrección de Lázaro.
Cristo aparece en forma alegórica, como pastor de almas, llamado el Buen Pastor. El cristiano se educó, desde el principio en una lectura simbólica de las imágenes.
Análisis ideológico:
En las obras del paleocristiano no se representan imágenes descriptivas, sino que encarnan una idea, pues son íconos tras los cuales hay un pensamiento.
En ésta obra se desarrolla la resurrección de Lázaro, los artistas paleocristianos utilizaron aspectos de la dignidad imperial para subrayar la majestuosidad de Cristo. La idea presente en esta obra se centra en lo siguiente: Cuando llegó Jesús, hacía cuatro días que Lázaro había muerto, pero Jesús hizo abrir la tumba y luego, según el Evangelio de San Juan: «Alzó los ojos al cielo y dijo: ‘Padre... por la muchedumbre que me rodea lo digo, para que crea que tú me has enviado’. Diciendo esto gritó con fuerte voz: ‘Lázaro, sal fuera’. Salió el muerto, ligados con fajas píes y manos...» Juan II, 41-4
Análisis biográfico:
Mosaico, siglo VI, San Apolinar Nuevo(Ravena- Italia)
Imperio Bizantino
Análisis sensorial:
La idea que he captado al observar este Cristo padre, es la de Cristo dando bendición y la bienvenida, se puede ver claramente que es un pintura totalmente estilizadas.
Análisis sociológico:
El Imperio Bizantino fue una entidad política dirigida por los emperadores de Constantinopla, durante la Edad Meda. En éste período el emperador Constantino El Grande, fue quien estableció el cristianismo como la religión oficial.
Tras la muerte de emperador Teodosio el imperio se dividió y las tradiciones artísticas de sus dos mitades pronto comenzaron a divergir, en Occidente, la guerra constante llevó a una época de menos producción, mientras que en Bizancio emergió un nuevo orden artístico.
Análisis simbólico:
Los artistas bizantinos crearon sus primeras obras maestras religiosas en mosaicos, la veneración de imágenes sagradas fue causa de conflictos en el siglo VIII, al considerársela idolatría.
Dos son los lugares habituales para exhibir el pantocrátor en las iglesias: al exterior, en los tímpanos de las portadas, esculpido en piedra; o, en el interior, pintado en las bóvedas de horno de los ábsides.
Análisis iconográfico:
En el arte Bizantino, se veneraban iconos religiosos e imágenes imperiales cuya apariencia estaba estrictamente controlada, las formas eran simbólicas y estilizadas, y cualquier individualidad artística era reprobada.
El icono bizantino es una representación de una imagen sagrada, en cualquier material, aunque después se identificaría con la tabla, que alcanzó una devoción extraordinaria. Se aceptó que las imágenes eran objeto de veneración y honor, aunque no de adoración. Ello supuso una rigurosa codificación de los temas, la Virgen madre o Theótokos y Cristo padre o Pantocrátor,
Análisis ideológico:
El atributo pantocrátor significa todopoderoso En la cultura cristiana se utiliza para referirse al Dios Padre omnipotente o a Cristo. En ésta obra Cristo está con la mano diestra levantada para impartir la bendición y teniendo en la izquierda los Evangelios o las Sagradas Escrituras.
Análisis estilístico:
En la enorme representación de Cristo, captado con una limpieza de dibujo que tiende al grafismo sin comprometer la unidad plástica de la visión. La ejecución es bella y su rostro está lleno de majestad, pero, sin embargo, carece de la espiritualidad y la fuerza de Dafni. Es un estilo menos clásico, que sería seguido de cerca por mosaístas que trabajaron unos cuarenta años más tarde en Monreale.
Análisis biográfico:
Icono bizantino (siglo VII d.C.). Egipto, Monte Sinaí, monasterio de Santa Catalina
Periodo carolingio
Análisis sensorial:
La idea principal de ésta obra se centra en la muerte de Cristo, que está rodeado por ser que disfrutan del dolor que está sufriendo, como hay personas que sienten el dolor y miedo por los efectos que traería la muerte un ser que se entregó por los pecadores como dice el Evangelio.
Análisis sociológico:
Tras la caída del imperio Romano de Occidente, Europa vivió unos siglos de confusión, ya que distintos pueblos lucharon por la supremacía. El orden no fue restaurado hasta la llegada de Carlomagno, cuya coronación como emperador señaló el comienzo de una nueva era.
En el ámbito de las artes visuales, Carlomagno realizó un deliberado esfuerzo por integrar los logros del arte clásico y paleocristiano, además de mantenerse al día de los últimos avances del Imperio Oriental.
Análisis simbólico:
El arte carolingio, no produjo una escultura monumental, pero la calidad de las obras a pequeña escala fue muy elevada. Probablemente, la innovación más destacada en la producción de manuscritos fue su exquisita caligrafía.
Entre todas las artes figurativas tuvo especial importancia la miniatura.
Por medio de los evangeliarios (manuscritos que contenían los relatos de los cuatro Evangelios) en esta obra se representa la crucifixión de Cristo.
Análisis iconográfico:
En este evangeliario algo que no es explícito es el amor y la fortaleza que tuvo Cristo en el momento de la crucifixión.
Análisis ideológico:
Según el Evangelio, la escena de la crucifixión de Cristo, fue un suceso muy importante para los seres humanos, pues en ésta obra, se representa un capítulo bíblico trascendental, como ésta escrito la Biblia, Cristo fue crucificado junto a dos ladrones, esta escena también está presente en esta pintura. Así como también el arrepentimiento de algunos pecadores, porque sabían que Cristo se entregó por ellos para salvarlos y limpiar todos sus pecados.
Análisis biográfico:
Obra: La crucifixión y el reparto de las ropas del Salvador.
Edad Media, Siglo IX, vitela, Biblioteca Municipal de Angers- Francia
Período Gótico
Análisis sensorial:
En ésta obra la idea principal que se puede captar es como los esqueletos están dominando y ganando a los hombre, es muy claro observa como vence la muerte sobre la vida, también podemos ver un panorama de destrucción y exterminio, de batallas, incendios y naufragios, donde los seres humanos son los derrotados por los cuerpos que dejaron la vida terrenal.
Es una pintura que presenta una el poder de la muerte, donde ningún ser humano se salva de su ataque, para mí esta obra nos hace reflexionar que no debemos dejar a un lado el tema de la muerte, ya que va de la mano con la vida, no sabemos lo que pasará en día de mañana, no estamos libre de que la muerte toque nuestra puerta, por lo que debemos vivir plenamente día a día, disfrutando de nuestra vida por más que esté llena de inconvenientes, problemas, así como también de cosas y situaciones positivas, acompañado del cariño de las personas que nos aprecian.
Análisis sociológico:
El gótico se desarrolló en el contexto europeo durante más de trescientos años, perdurando en algunos lugares incluso más tiempo. En ese período se produjo una evolución constante en el estilo, muy marcado por la propia identidad de cada territorio.
En la sociedad de la baja Edad Media se produjeron profundos cambios en las formas de vida y en la concepción del pensamiento religioso, que afectan decisivamente a la aparición de un nuevo estilo como fue el gótico. Las ciudades comienzan su expansión y en ellas como símbolo de las mismas comienzan a realizarse los ejemplos más característicos del arte gótico que son las catedrales.
Análisis simbólico:
La pintura es una de las manifestaciones mas interesantes del gótico, tanto en murales, como en tablas y miniaturas.
Análisis iconográfico:
En las catedrales góticas la vidriera tiene fundamental importancia, tanto por el efecto sensorial que produce la luz coloreada, que sugiere la intangibilidad del espíritu de Dios, que ilumina a su iglesia, como por su simbolismo protector y su capacidad metafórica: el sol entre y sale por la vidriera, sin romperla ni mancharla, como quedó intacta y sin mancharla la Virgen María después de la concepción y nacimiento de Cristo.
Análisis ideológico:
En esta obra “el Triunfo de muerta” inspirada en el tema literario medieval de la Danza de la Muerte y es una desoladora representación de su victoria sobre las cosas terrenales. El artista rechaza por completo cualquier referencia al consuelo de la religión o a la creencia en la inmortalidad, para ofrecernos un final angustioso y sin esperanza. A su alrededor suceden escenas dramáticas y desde emperadores y altos dignatarios de la Iglesia, hasta los más pobres y humildes, todos, sin excepción, caen bajo sus garras. Un ejército de esqueletos con escudos formados por ataúdes lo arrollan todo a su paso. En medio de la devastación, de embarcaciones ardiendo y de ejecuciones sumarias somos conscientes de que la Muerte no perdona ni a reyes ni a mendigos, ni a rufianes ni a inocentes, ni a viejos ni a jóvenes. La Muerte nos iguala y no hay escondrijo posible para escapar de su larga mano. Se trata de una espeluznante criatura de forma humana despojada de piel, músculos, nervios y vísceras, con la osamenta al aire.
Análisis biográfico:
Obra: El Triunfo de Muerte
Autor: Pieter Brueghel
Pieter Brueghel se especializó en paisajes poblados de campesinos, en un estilo más sencillo que el del arte italiano que prevalecía en ese tiempo. La influencia más notable en su arte es la del maestro holandés Hieronymus Bosch. Se lo ha apodado Brueghel el campesino para distinguirlo de los otros miembros de la dinastía que fundó. Es considerado el pintor flamenco más importante del siglo XVI.
BIBLIOGRAFÍA
- ARTE, la guía visual definitiva, "300-1400", Arte Paleocristiano y bizantino.
- La Enciclopedia del Estudiante, Tomo 09, "Historia del Arte", pág. 33-47, 55-104, Editorial Santillana.
- Historia universal, Tomo 2, Antiguedad I- Mesopotámia y Egipto, Editorial Santillana
- Historia universal, Tomo 5, Edad media Crisis de Roma y nuevos imperios, Editorial Santillana.
ok
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